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El Arte del siglo XX: relación con la ciencia

El Arte del siglo XX: relación con la ciencia. Aunque parece que arte y ciencia son dos campos disimiles, se han mantenido vinculados a lo largo de la historia. Lee este interesante post en el que te ofrecemos todos los detalles que necesitas conocer sobre los movimientos artísticos de principios del siglo XX que tienen sus cimientos en el mundo científico.

El Arte del siglo XX: relación con la ciencia
Neural Zoo (2018) de Sofía Crespo, imágenes perturbadoras de un bestiario fantástico creado con Inteligencia Artificial AI. «Zoológico Neural es una exploración de las formas en lss que funciona la creatividad. La combinación de elementos conocidos en un nuevo elemento nunca antes visto. El creador en este caso, sería el algoritmo en si pero con el artista humano como musa. ¿No es todo el arte hecho por humanos, una ejecución o remodelación de datos absorbidos a través de neuronas biológicas».

Arte y ciencia: ¿antagonismo o complementariedad?

El arte y la ciencia, desde sus orígenes han estado estrechamente vinculados. Son dos campos de conocimientos que parecen antagonistas, uno por tener mayor vena humanística y el otro por basarse evidentemente en los preceptos positivistas, científicos. No obstante, a lo largo de la historia se encuentran con mucha frecuencia, dialogan y se nutren mutuamente.

Así como  en el plano tecnológico, social, político, económico y hasta religioso se reconoce la importancia de los avances y descubrimientos científicos, se valoran las huellas que estos han dejado en el arte.  

El Arte del siglo XX: relación con la ciencia
La imagen mental inicial puede surgir como una entidad visual, pero también puede ser una impresión táctil, muscular o corporal, o una sensación informe que la mano especifica en una serie de líneas que proyectan una forma o una estructura. Uno no puede saber si la imagen surgió antes en la mente y fue entonces cuando quedó registrada por la mano, o si la mano produjo la imagen de una manera independiente, o si surgió como resultado de una colaboración fluida entre la mano y el espacio mental del dibujante. A menudo es el propio acto de dibujar, el profundo compromiso en el acto del pensamiento inconsciente a través de la creación, lo que da origen a una imagen o una idea. En inglés la palabra “dibujar” (drawing) tiene un segundo significado- extraer- y señala este significado esencial del dibujo como un medio de extraer, de hacer patentes y concretas unas imágenes mentales internas y unos sentimientos tanto como registrar un mundo exterior. La mano siente el estímulo invisible y amorfo, lo coloca en el mundo del espacio y de la materia y le da una forma”. Juhani Pallasmaa

El pensamiento de los artistas, sus procesos creativos

Así como las maneras de entender su lugar en la sociedad y la cultura, han estado conectados de una u otra forma con las matemáticas, la química, la física, la biología y demás campos afines.

En El Arte del siglo XX y su relación con la ciencia, te mostramos importantes evidencias de cómo la ciencia y el arte ha estrechado lazos perdurables en el tiempo. La pintura, la música, la escultura, entre otras expresiones artísticas bastante se alimentaron de los desarrollos científicos en los albores del siglo pasado.

El Arte del siglo XX: relación con la ciencia

Un inicio de siglo convulsionado

Muchos afirman que a diferencia de lo que sucedió en siglos anteriores, en el siglo XX, el arte y la ciencia se distanciaron en su búsqueda de nuevos rumbos. Lo que antes del siglo XIX era común, que un Leonardo Da Vinci usara el dibujo para representar su forma de comprender el cuerpo humano así como para graficar sus inventos, o que algún naturalista aportara a la ciencia excelentes descripciones de plantas y animales, también a través de sus dibujos, se tradujo en otras formas de relacionar la creación artística y los avances de la ciencia.

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El Arte del siglo XX: relación con la ciencia. Corrientes que se desarrollaron

Entre las corrientes que se desarrollaron en el plano de las artes plásticas, destacan movimientos como el impresionismo, el cubismo, el futurismo, el surrealismo, entre otras tendencias, que son conocidas como las vanguardias del siglo XX y básicamente se conocen así, porque todas ellas insistieron en romper con cánones estéticos del pasado que los constreñían a que las obras se realizaran desde la perspectiva de la representación de realidades objetivas.

Estos artistas se ponen a tono con los avances de la ciencia y otros acontecimientos que revolucionaron su forma e pensar y de ver el mundo. Gracias a ello el arte del siglo XX dio un vuelco maravilloso que veremos a continuación desde la arista de su relación con la ciencia.

El Arte del siglo XX: relación con la ciencia

Impresionismo: abriendo caminos

Aunque este movimiento nace a final del  XIX, se desarrolla y despliega en los inicios de XX. Tiempo en el cual muchos acontecimientos científicos rondaban en los temas de conversación de todo tipo de gente, desde muy académicos pensadores, hasta personas comunes en sus quehaceres cotidianos.

La microbiología, el descubrimiento de la penicilina e invención de los antibióticos, la invención de electrodomésticos y hasta la aparición de la energía nuclear o atómica, así como estos otros inventos más estaban en el escenario, tomando en cuenta los aportes de Nikola Tesla, quien puso la semilla de muchos inventos que han configurado el siglo XX. Él fue capaz de impulsar la era de la electricidad, con su corriente alterna.

Nikola Tesla,
Todo es energía, por lo que pensar de acuerdo con sus leyes nos proporciona una comprensión superior de nosotros mismos y nuestra relación con el universo. Comprender la dinámica de la vibración facilita la adaptación y evolución del hombre en la naturaleza, proporcionándonos tecnologías y metodologías que reorganizan la vida de acuerdo con nuestras necesidades. A través de la comprensión de los principios eléctricos de la física, el ser humano aprendió a domesticar las Leyes de la Naturaleza y a crear innumerables inventos que cambiaron para siempre el curso de nuestra evolución.

Giro del timón

Todo esto incidió en que los artistas se motivaran a querer girar el timón de la creación hacia otro puerto, no podía ser que el arte siguiera estancado representando manzanas y personas o escenas que no plantearan una controversia. Así un artista francés llamado Eduard Manet, se atreve a salir y enfrentar la realidad, con pinceles y lienzo en mano, para experimentar lo que ocurría ante sus ojos a diversas horas del día.

Pintó su primera obra bajo ese concepto y la presenta ante el público especializado y es allí donde a modo de burla, un crítico de arte le calificó  como “impresionista”, nombre que asumieron los artistas que siguieron su mismo camino, plasmando la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. Los impresionistas entendieron que la luz engendra el color y la forma y lo pudieron captar en sus obras.

El Arte del siglo XX: relación con la ciencia
«En el Café» -1879 Eduard Manet,

Cubismo: rompiendo con la perspectiva

El cubismo produce una ruptura con la pintura clásica, dando espacio a la figuración geométrica.  Esto sin duda supuso una reflexión con vena matemática, en tanto que su interés se centraba en las propiedades de las formas, su disposición en el espacio, la bidimensionalidad y la representación de realidad a través de cubos, cuadrados, triángulos, rectángulos, entre otras formas abstractas. Se pierden los referentes claves del naturalismo para dar lugar a rostros, cuerpos, objetos, elementos del ambiente, etc. a través de líneas que no buscaban reproducir fielmente los contornos de la realidad, sino romper con ella. Pablo Picasso fue uno de sus máximos exponentes.

Las señoritas de Avignon realizado en 1907. Picasso acierta de lleno con su obra más sobresaliente cuando se atreve a romper con lo establecido, haciendo gala de sus influencias africanas 

Futurismo: apuesta por la tecnología y el progreso

Este movimiento vanguardista se desarrollo principalmente en Italia y tuvo mucho que aportar en el plano de la pintura y la literatura. Sus representantes, entre quienes destaca el poeta Filipo Tommaso Marinetti, redactor del Manifiesto Futurista (1909), se inspiran y exalta los avances tecnológicos, el mundo industrial, el de las maquinarias.

Locomotoras, aviones, automóviles, descubrimientos científicos, son motivos e inspiraciones que impregnan las obras de estos artistas. La velocidad el movimiento, el ruido, los arsenales, las fabricas y sus chimeneas, todo el caos del progreso era su centro creativo. Fueron tildados de fascistas, de respaldar la violencia y la guerra, de ser agitadores y cuestionadores de la sociedad y la cultura burguesa, clásica, conservadora, tradicional, la de los museos, bibliotecas y academias.

“Illuminated by the internal glow of electric hearts…” The exciting, multifaceted + outrageous Futurist Manifesto published #onthisday 1909
This irreverent spirit was a central component of 2018’s Post Zang Tumb Tuuum - Art Life Politics: Italia 1918–1943
Futurismo – Marinetti

Expresionismo: el despliegue psicológico

El expresionismo tuvo su auge en el mundo de las artes plásticas, como en el de la escultura, la danza, la música, el teatro y la literatura. Sus propulsores, se esmeraron por representar la realidad filtrada por las emociones, los sentimientos, las angustias existenciales. Mucho les influencio la psicología.

Su cuna esta en Alemania, donde se gestaron importantes críticas al impresionismo, desde ese enfoque que se preocupaba menos por lo que había afuera y mas por lo que sucedía dentro del artista, así como en las reacciones que despertaban sus obras en los espectadores.

Rechazaban todo intento de imitar la realidad, querían expresar su crisis existencial a causa de la guerra, su desasosiego. Artistas como Jackson Pollock y Edvard Munch, se vieron muy influenciados por sus propios estados: alcoholismo, depresión, ansiedad, angustia, dolor,… El arte era para ello su campo de expresión psicológica, en algunos casos impulsados por sus propios psicoterapeutas o por su propio interés en hurgar en la mente humana.

El Arte del siglo XX: relación con la ciencia

Bauhaus: Producción en serie y diseño funcional

Esta escuela alemana de diseño, arquitectura y arte, tuvo como principio promover el funcionalismo, la creatividad y la experimentación a través de la reunificación de las disciplinas artísticas bajo el paraguas de una nueva arquitectura. Así, escultura, pintura, entre otras artes manuales y artesanales confluyeron en ese espacio, impulsado por Walter Gropius.

Hombres y mujeres coexistieron en sus salones, desarrollar su ingenio usando cerámicas, textiles, madera, metales, aprovechando las bondades de estos materiales que no eran sino fruto del ingenio y los descubrimientos científicos, de los estudios químicos, físicos, biológicos y de otros campos de las ciencias naturales, así como del mundo industrial.

Sus diseños respondían a la funcionalidad de las cosas: objetos, edificaciones y demás productos del ingenio humano debían adecuarse a las necesidades reales. Así apostaban por la practicidad y la racionalidad. Dieron espacio a la producción seriada, afirmando que la industria y las artes debían ir de la mano.

El Arte del siglo XX: relación con la ciencia
Sus propuestas y declaraciones rigurosas que proponían una transformación social desde la enseñanza artística le permitieron a La Bauhaus (Casa de la construcción) trascender en el tiempo y cumplir un rol que transformó y revolucionó el pensamiento cultural y artístico, así como el concepto de producción en el mundo durante el siglo XX.

El Arte del siglo XX: relación con la ciencia, es un artículo que te motiva a seguir indagando sobre la vinculación entre arte y ciencia. Así como aquí te hemos presentado brevemente una aproximación a la relación que existe entre las artes plásticas y los inventos científicos de principios de siglo XX, podrías animarte a buscar qué pasó en la música, o en la literatura. Te invitamos a seguirnos pues con seguridad  te daremos información sobre ello próximamente.

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