Fue Pablo Ruiz Picasso el creador de Guernica, pintor español, poeta y escultor nacido en 1881 en Málaga; falleció en Francia en 1973. Actualmente la obra puede apreciarse en el Museo de Arte Reina Sofía en Madrid, siendo un óleo sobre lienzo elaborado en 1937.
El gobierno de la Segunda República de España fue quién le encargó el cuadro a Picasso, especialmente para el pabellón español que tomaría parte de la Exposición Internacional de París en 1937, cuyo contexto en ese entonces era la Guerra Civil española.
Jamás se le envió el tema en particular a tratar, así que el artista demoró un poco en su realización, razón por la que el origen real de la pieza se pone en duda.
Análisis de Guernica
Aunque Pablo Picasso haya sido uno de los artistas más influyentes del siglo XX, fue Guernica uno de las obras más importantes del artista, no solo por su estilo, sino por su representación política.
Por muchos, considerada cubista, también muestra claros elementos expresionistas que la hacen única. Sin embargo, nos deja muchas dudas por aclarar, como el significado atribuido por el mismo artista, como la raíz de su carácter político.
Lo que Guernica representa
Lo que Guernica representa mantiene aún hoy dos tesis en la que se debate. Por un lado, se cree que es la representación histórica en lo que se inspiró Picasso, específicamente en la Guerra Civil española. Pero por otro lado, se ha dicho a posterior que posiblemente sea una muestra autobiográfica.
Contexto histórico de Guernica
Muchas de las fuentes indican que la obra Guernica un fragmento en la trama histórica de la Guerra Civil española. En ese momento, Guernica en Vizcaya, País Vasco, mantenía tres fábricas de armas bajo el control de la Segunda República.
Por tanto, la localidad de Villa Vasca de Guernica fue bombardeada por un grupo llamado Legión Cóndor, perteneciente a las fuerzas de aviación alemanas el 26 de abril de 1937, con el apoyo de la aviación italiana. Fueron 127 los que fallecieron, lo que evidentemente repercutiría internacionalmente.
Posible autobiografía
Algunos investigadores han apuntado que la realización de Guernica se comenzó a realizar antes de que ocurrieran los bombardeos. Afirmando, además, que su tema inicial fue autobiográfico. La hipótesis sugerida indica que se muestra un recorrido de su propia historia con su madre, su hija (quien estuvo a punto de morir) y sus amantes.
Iconografía
La principal característica iconográfica de Guernica, es la tonalidad policromática empleada por Picasso, en la que emplea una paleta de tonalidades entre negro, blanco, azul y gris, generando contraste desarrollados con una impecable destreza por el artista. Siendo, además, un óleo desarrollado en un lienzo de gran tamaño.
Se observan dos escenas bases. Mientras a la izquierda muestra lo que parece ser el interior de una casa, la derecha el exterior. Pero que al mismo tiempo se unen, y se separan. El umbral que las separas, funciona como un extraordinario imaginario artístico.
Gracias a ello, permite transitar entre el exterior y el interior de ambas escenas en una sola. De tal manera que al cruzarse estos umbrales, se da un paso hacia una zona de batalla peligrosa, aunque reales en un posible subconsciente.
Gracias al cubismo empleado por Picasso, se logra la unificación, con tan solo un trazo de manera recta en el cuadro. Esto, sin dejar de lado la luz que ayuda a destacar el dramatismo de las escenas, y que además complementa la conexión evidente entre los personajes.
Figuras y personajes de la obra
Son nueve los personajes que conforman Guarnica, entre ellos, cuatro mujeres, una bombilla, un toro, un hombre, un caballo y un pájaro. Cada uno de ellos, empleados con ciertas particularidades; contando que con las mujeres, por ejemplo, son una clara muestra del dolor y el sufrimiento, al menos así fueron arrojadas por el artista.
El caballo
El caballo, con las contorciones cubistas que muestra, expresa un evidente dolor a causa del cuchillo que atraviesa su garganta, cuya punta se sustituye simbólicamente por una lengua apuntando hacia el toro.
Las mujeres
En ambos extremos se encuentran dos de las mujeres que componen la escena. Estas, además de crear equilibrio en la composición, representan el sufrimiento que enmarcan la obra. Por un lado, a la izquierda, la figura femenina clama y sufre por su hijo, trayendo como recuerdo a la Piedad, en tanto a iconografía.
Mientras que a la derecha, se encuentra una mujer consumiéndose por el fuego. Mientras la primera posiblemente represente el dolor psíquico esta, el dolor físico. Las otras dos mujeres que faltan, crean cierto movimiento, desde el centro hacia la derecha, completando una triangulación central en ella.
Una de ellas, la del centro, un tanto absorta por la luz que emana del bombillo, mientras la otra, nos recuerda a un espectro asomándose desde una ventana, con una vela que se dirige hacia el caballo, quizás la única figura que transida entre ambos mundos.
La bombilla
Justo sobre el caballo, se encuentra la bombilla, ubicada como centro de un ojo con rayos semejantes a los del sol. La sensación que muestra es la del observador. Ubicado en el extremo superior, casi en el centro, además, como quién ilumina todo el escenario.
El toro
En el borde lateral izquierdo se encuentra el toro, con una actitud inmutable, mirando fijamente al público con una única actitud que no se compara con las del resto de los personajes. Habrá que mencionar que el artista, Picasso, solía recurrir a la imagen del toro en sus obras en los años 30.
Como parte de la iconografía de sus pinturas, esta figura concluyó siendo símbolo de su vida laberíntica, si se quiere.
El pájaro
El pájaro, o ave, se encuentra de forma un tanto sutil entre el caballo y el toro. Aunque casi imperceptible, las líneas claramente lo definen, sin verse cohibido dirigirse hacia el cielo, tal como las dos mujeres de los extremos. En este caso, bien sea para huir, o incluso para pedir ayuda.
El hombre
El último de los personajes, no menos importante, es el hombre. Su representación es mostrada por una única figura, acostada en el suelo, boca arriba, cuyos brazos se encuentran fragmentados y abiertos. En la parte inferior izquierda del cuadro, tiene un brazo emputado.
En aquél mismo brazo emputado, mantiene en su mano una espada rota, junto a una flor casi imperceptible, pequeña, dejando su ubicación en el centro de toda la composición, cuya representación pareciera ser la esperanza.
Además, este mismo brazo posee unas líneas como símbolo de una posible flagelación, lo que claramente nos recuerda a la crucifixión de Jesús, en conjunto a la posición de sus brazos manteniéndolos abiertos, recordando que representa no solo el sufrimiento, sino el sacrificio del hombre.
Según el artista Pablo Picasso
A pesar de su segunda interpretación autobiográfica, el mismo Pablo Picasso llegó a argumentar que su pieza era una denuncia tanto hacia las guerras. Le quitó toda utilidad decorativa al afirmar que era un instrumento de guerra no solo ofensivo, sino que a su vez asumía una defensa contra el enemigo.
Asimismo, afirmó cuando aún la estaba elaborando, que Guernica sería la muestra de lo tanto que repudiaba la casta militar, especialmente debido a todo el contexto socio-histórico en el que se encontraba España en ese momento, donde no solo hubo dolor, sino muerte.