La pintura de Caravaggio y el claroscuro será el tema de nuestro post. El claroscuro es una técnica que los artistas emplean para agregar luz y sombra a un objeto con la finalidad que aparente ser tridimensional.
Esta técnica va más allá del simple sombreado ya que la representación detallada del efecto de la luz en una superficie es lo que le da una sensación real de profundidad y volumen.
Antes del claroscuro
Antes del empleo de esta técnica, los pintores se centraron en captar formas, líneas y colores, así como la ubicación de personas y objetos para contar una historia, por ejemplo el arte egipcio y el medieval, en los cuales todo se ve plano sobre los soportes pictóricos.
Las formas se presentan lanas en el soporte
Del Temple al óleo
La forma más común de la pintura clásica al temple es el temple de huevo. Los pintores mezclaban pigmentos con la yema del huevo. De esta manera los aglutinaban para aplicarlos sobre la superficie. Agregaban agua como un diluyente para humedecer los pigmentos y facilitar su aplicación
La rapidez del secado de este tipo de preparación, no permitía muchas experimentaciones con los pigmentos, por ello sus formas se ven planas, con apariencia de figuras recortadas sobre el soporte pictórico.
En el Renacimiento se descubre la pintura al óleo lo que hizo mucho más fácil para los artistas del Renacimiento mezclar y construir tonos graduales de color, utilizando pigmentos molidos en aceite de linaza, logrando un secado muy lento.
Durante el renacimiento, la pintura al óleo vino a ocupar el lugar del temple; tradicionalmente se pensaba que esta técnica había sido desarrollada a finales de la edad media por los hermanos flamencos Jan van Eyck y Hubert van Eyck, pero en la actualidad se cree que fue inventada mucho antes.
En todo caso, esta invención ayudó al claroscuro a convertirse en una técnica viable para modelar formas realistas. Este secado lento, permite acumular capas de pintura, logrando así las veladuras, propias del claroscuro.
Un cambio radical: El claroscuro
A través de los siglos, los artistas exploraron y aprendieron más sobre cómo representar el mundo en sus tres dimensiones para que lo representado se viera más realista. Es aquí donde se considera que uno de los mayores avances en esta dirección, fue la perfección del claroscuro.
A partir de esta invención se comenzarán a ver obras que son superficies iluminadas, rostros o cuerpos bañados en luz sobre fondo negro. Obviamente esto no es real, jamás podremos ver tanta penumbra y en simultáneo tanta luz en una misma escena.
En este caso el claroscuro busca destacar lo que se desea y centrar la atención del espectador sobre ello, sin distracciones ni dispersiones, sin atender a la luz gradual que se aprecia en la realidad.
Es una pintura del episodio bíblico. Caravaggio recurre, como es habitual en su pintura, a un casi forzado realismo. El dramatismo se extiende en oleadas de color, desde el rojo agresivo de la sangre que se corresponde con el rojo del cortinaje, hasta el brillo de la espada y el tremendo fogonazo de luz que ilumina el pecho de la heroína del Antiguo Testamento.
¿Qué aportó la técnica de Caravaggio a la pintura de su tiempo?
La pintura de Caravaggio y el claroscuro. Colocó elementos en el cuadro que sirvieran como la excusa para introducir una fuente de luz, por ejemplo una vela o fuego. Con ello podía explorar siluetas, destacando la luz y la sombra las cuales cobraron protagonismo.
Caravagismo o Tenebrismo
El uso de grandes parches de fondo negro combinado con sujetos intensamente iluminados crean un ambiente tenebroso, donde lo oscuro, lo sombrío y lo misterioso se convierten en las cualidades principales de su obra.
La luz que logra es efectista sin importar que sea exacta a la realidad. Lo que realmente Importa es el logro de contrastes de luces y sombras con una iluminación exagerada sobre lo que se desea resaltar.
Distinciones en el claroscuro de Caravaggio
Leonardo da Vinci, en el Renacimiento, fue el primero de los Viejos Maestros en realmente explorar ampliamente el potencial del claroscuro. Él logró dar dimensionalidad y sensación de redondez a la forma humana.
Luego en el siglo XVII, cuando ya se hablaba del Barroco, Michelangelo Merisi da Caravaggio, llevó el claroscuro mucho más allá, oscureciendo grandes porciones del fondo e iluminando con luces intensas temas de primer plano. Esta combinación de usar alto contraste con una sola fuente de luz, daba como resultado efectos dramáticos.
Relación de su vida con las penumbras del claroscuro
La pintura de Caravaggio y el claroscuro. Algunos teóricos han considerado que el claroscuro se encarna en la vida de Caravaggio, pues su vida desde sus primeros años, fue muy oscura, comenzando por la muerte de su padre y abuelo cuando era muy pequeño, su madre muere en su adolescencia, afortunadamente para entonces ya era discípulo de Tiziano.
Nació en Italia en el año 1571. Él mostró su talento artístico desde temprana edad, lo que nos hace percibir ese don del luminoso talento que poseen los artistas, pero en paralelo sus circunstancias corrían como una especie de teatro del pesar y el dolor.
Cuando ya era un joven de 20 años, sobrevivía a medias gracias a algunos encargos menores que recibía, y así llega a la ciudad sin trabajo y sin residencia. Su realidad obviamente impregnaba todo lo que salía de su pincel y la luz comenzó a ser captada para introducirla en cada escena.
Una vida atormentada llevada a la obra
La violencia definió tanto la vida como la obra de este artista. Caravaggio tenía con frecuencia problemas con la ley. Su temperamento fuerte dio lugar a varios incidentes violentos. A menudo fue detenido por peleas, insultos a los guardias de la ciudad y posesión de armas. Según algunos biógrafos, incluso el traslado a Roma fue debido al escape después de un homicidio cometido en Milán.
Entre 1605 y 1606 ocurrieron los hechos más graves: en el primer caso, la lesión grave de un rival en amor. El artista fue herido, pero mató a su rival y fue condenado a ser decapitado. El artista dejó Roma y comenzó su escape por toda Italia. La familia Colonna le ayudó a esconderse en los territorios de sus feudos.
A partir de este momento, en sus obras, se multiplicaron las figuras de hombres decapitados, que a menudo eran autorretratos.
Aquí observamos los colores plata sucio, negro y marrones dominan el cuadro. La luz destaca a David y su espada. Y el horror del rostro del decapitado. Se ha dicho que es el propio Caravaggio autoretratado en cuya expresión destaca la repugnancia que sentía consigo mismo
Murió en el año 1610 en Toscana, en Porto Ercole, probablemente por una infección. Otra reconstrucción, dice que fue asesinado en Ladispoli por unos sicarios de los Caballeros de Malta.
Caravaggio: rompe cánones estéticos y estilísticos
En su tiempo, la creación artística aún estaba apegada a ciertos cánones estéticos y estilísticos, y Caravaggio se rehusaba a seguirlos. Logró irse por “la tangente” porque su carácter se forjó de modo beligerante, de allí esa libertad que el mismo se dio para expresarse a través de la pintura.
Su técnica impregnó de teatralidad y al mismo tiempo de naturalidad, cada obra; independientemente de la temática. Caravaggio se interesó por la vida y la muerte, dejando un legado histórico sobre su percepción de ambos momentos de la existencia. Por ello pintó ese mundo de suburbios en los que vivía, empleando como modelos personajes reales vinculados a su vivencia sombría.
La desacralización de la pintura
Después de dos gloriosos siglos de Renacimiento, el mundo de los coleccionistas de arte comenzó a demandar otro tipo de obras que ya no fueran sacras, querían algo más cotidiano, costumbrista y terrenal, de allí que afora la pintura de género proponiendo temáticas diversas y, lo más novedoso de entonces es el surgimiento del bodegón.
Esta coyuntura de la pintura le vino muy bien a Caravaggio en aquel momento, pues al vivir casi en la calle y socializar con tanta escoria, pudo llenar de esos personajes sus cuadros donde destaca a la gente con quien socializaba, sus conflictos y deseos dejando al descubierto quienes eran en realidad con sus uñas sucias, pieles mugrientas, gestos, reacciones y hasta lágrimas.
La Virgen está representada con los pies y los tobillos descubrimientos, pero sobre todo con el vientre hinchado, obviamente embarazada.
Hay que recordar también que a menudo él utilizaba prostitutas y personas sin hogar como modelos, representados con realismo.
A respecto decía: «Todas las obras pictóricas, sin importar qué o quien las haga, no son más que bagatelas y tonterías infantiles si no son tomadas de la vida…».
Pintura al óleo sobre lienzo 1602
El biógrafo Andrew Graham-Dixon, en su libro Caravaggio: Una vida sagrada y profana, (2017) establece lo siguiente:
«Es verdad que sus pinturas están cargadas de erotismo y que los chicos que retrata son pura lascivia, pero también lo son las mujeres que pinta, prostitutas amigas suyas que le sirven de modelo para sus lienzos religiosos. Pienso que era un hombre omnisexual. No bisexual. Todo en él era pura fuerza primaria. Estoy empeñado en demoler el mito que lo encapsula en un pintor gay. Será la única manera de poder contemplar su pintura en profundidad».
El novedoso estilo de Caravaggio
Gracias a esta forma de pintar, la pintura de Caravaggio y el claroscuro, y a sus temáticas, logra ser avalado por el cardenal Del Monte quien fue luego su mecenas, comisionándole la decoración de la capilla Contarelli en la iglesia de San Luigi dei Francesi donde pinta una serie de óleos que representan la vida de San Mateo, obras que constituyen un drama visual sagrado.
Caravaggio era rebelde, y sin lugar a dudas, un verdadero maestro del empleo de las luces y sombras. Incluso, en la actualidad, es considerado uno de los mejores pintores de todos los tiempos.